Sejak memperoleh MFA dalam Lukisan dan Lukisan dari School of the Art Institute of Chicago tahun lepas, kerjaya pelukis Luke Agada telah berkembang pesat. Pameran awal di pameran kumpulan yang merangkumi benua—“Refleksi Kolektif: Ekspresi Kontemporari Afrika dan Diasporik Pelopor Baru” di Galeri 1957 di Accra, “Suspek Luar Biasa” di Yayasan Artis Afrika di Lagos dan “Where The Wild Roses Grow” di Kristin di Berlin Galeri Hjellegjerde—menetapkan Agada sebagai artis yang mempunyai kebolehan untuk menyatakan identiti budaya, kekaburan dan introspeksi dalam karya surealis yang dihasilkan dalam palet warna yang mengingatkan Lagos asalnya. Pameran solo pertamanya di Amerika Syarikat di Galeri Monique Meloche di Chicago pada September 2023 diikuti dengan pertunjukan yang menonjol di Art Basel Miami Beach, di mana Roberts Projects menampilkan karyanya dalam apa yang dengan cepat menjadi salah satu gerai pameran yang paling heboh.
Semua ini daripada seseorang yang tidak lama dahulu membuat dan menjual lukisan pada masa lapang semasa melanjutkan pelajaran dalam bidang perubatan veterinar. Tetapi hanya setahun dalam kerjaya veterinarnya, artis kelahiran Nigeria yang berpangkalan di Chicago itu berhenti untuk memberi tumpuan kepada seni sepenuh masa—pangsi yang melibatkan perpindahan dari Lagos ke AS
“Jauh dari rumah, dengan sedikit kebiasaan dan tiada keluarga berdekatan, saya mengalami rasa rindu dan nostalgia yang berterusan yang akhirnya meresap dalam kerja saya,” kata Agada kepada Observer. “Angka-angka yang saya gambarkan mula mencerminkan serpihan ingatan saya, dikurangkan kepada bentuk, bayang-bayang dan garisan yang dipermudahkan-semata-mata sisa masa lalu saya. Saya mencari cara untuk mengemudi kerinduan ini dan meneroka bagaimana bentuk migran menyesuaikan diri dengan ruang global.”
Gaya Agada adalah gabungan teori Surrealisme dan pascakolonial, dan kebanyakan karyanya meneroka konsep “ruang ketiga” yang dipopularkan oleh Homi K. Bhabha. Dengan rona bumi, bayang-bayang dan cahaya, dia menggambarkan pertembungan ingatan dan penghijrahan dalam landskap yang menarik dari segi psikologi di mana identiti budaya yang bersilang dan dinamik kuasa yang beralih mewujudkan persekitaran yang penuh ketegangan yang dihuni oleh herotan yang bukan mewakili individu tetapi keadaan makhluk.
LIHAT JUGA: Gillian Varney Mengenai Hadiah Lumen dan Relevansinya Selepas Tiga Belas Tahun
Sempena perasmian “Antara Dua Matahari,” persembahan solo pertama artis itu di Los Angeles kini di Roberts Projects, Observer berhubung dengan Agada untuk membincangkan pengaruhnya, bagaimana perjalanan hidupnya telah membentuk kerjanya dan apa yang dia harap orang akan ambil alih daripada persembahan itu. Dengan bintangnya yang semakin meningkat, jangkakan untuk melihat lebih ramai lagi daripadanya.
Herotan nyata dalam angka anda adalah luar biasa—apakah yang membentuk perbendaharaan kata visual anda?
Pada peringkat awal amalan saya, saya banyak dipengaruhi oleh surealis Eropah seperti Max Ernst, Yves Tanguy dan René Magritte, yang mengasaskan kerja saya dalam lukisan figura tradisional. Saya kemudiannya menjadi tertarik dengan pelbagai gerakan modenis, terutamanya kesan modenisme terhadap seni Amerika yang mencabar perwakilan konvensional bentuk manusia. Minat ini mencetuskan keinginan saya untuk menolak sempadan perwakilan dalam kerja saya.
Apabila berpindah ke AS untuk MFA saya di SAIC, pendekatan saya berubah dengan ketara. Jauh dari rumah, dengan sedikit kebiasaan dan tiada keluarga yang berdekatan, saya mengalami rasa rindu dan nostalgia yang berterusan yang akhirnya meresap ke dalam kerja saya. Angka-angka yang saya gambarkan mula mencerminkan serpihan ingatan saya, dikurangkan kepada bentuk, bayang-bayang dan garisan yang dipermudahkan-semata-mata sisa masa lalu saya. Saya mencari cara untuk mengemudi kerinduan ini dan meneroka cara bentuk migran menyesuaikan diri dengan ruang global. Minat saya dalam teori Postcolonial bertambah semasa kelas mengenai subjek itu, kerana saya mendapati ia sangat berkaitan.
Menemui karya pelukis Sekolah New York membuka jalan baharu untuk membangunkan rangka kerja visual amalan saya. Emosi yang tertanam dalam kerja mereka dapat dirasai; mereka telah dilaburkan dalam memasukkan makna ke dalam bentuk yang bergema dengan keseluruhan pengalaman manusia. Cara unik mereka untuk membekukan detik-detik dalam zon perantaraan pembuatan imej menyemarakkan lagi minat saya. Akibatnya, saya mengalihkan tumpuan saya daripada surealis ortodoks semata-mata kepada artis seperti Arshile Gorky dan Joan Miró, yang menggunakan pendekatan automatis sambil menggunakan pengaruh surealis mereka.
Siapakah sosok hantu yang dimaksudkan? awak? Setiap orang?
Walaupun saya sangat berhubung dengan keadaan emosi dan psikologi tokoh-tokoh dalam lukisan saya, mereka bukanlah pernyataan biografi diri saya sendiri. Sebaliknya, ia adalah representasi keadaan wujud, beberapa daripadanya terikat dengan cerita atau peristiwa tertentu.
Apakah yang perlu diketahui orang tentang pendekatan anda terhadap lukisan?
Hubungan saya dengan lukisan telah beransur-ansur berubah atau berkembang dari semasa ke semasa. Terdahulu, saya memberi lebih perhatian semata-mata kepada imej perwakilan, yang mempunyai tumpuan utama pada identiti subjek yang jelas. Walau bagaimanapun, saya tidak lama kemudian mengembangkan minat tentang bagaimana idea dan pendekatan kepada perwakilan tokoh dalam kalangan pelukis moden abad ke-20 berkembang. Ini menyedarkan saya bahawa tema identiti bukanlah satu-satunya asas atau bentuk akhir yang boleh diambil oleh kerja saya. Saya melihat keperluan untuk melampaui hanya pembinaan semula identiti.
Sifat transformatif lukisan, antara lain, menyumbang kepada minat saya terhadap bentuk organik dan biomorfik yang terletak di sempadan antara Imej Perwakilan dan Prefiguratif, yang menggambarkan dengan tepat pemikiran saya tentang beberapa perbualan yang saya minati.
Saya berminat untuk mencabar anatomi bentuk dan makna baharu yang mereka anggap semasa mereka menyesuaikan diri dengan ruang baharu. Melakukan ini menimbulkan ketegangan antara mereka dan ruang yang mereka duduki. Ruang adalah gabungan memori dan imaginasi, namun ia bukan autobiografi semata-mata, kerana saya kadang-kadang membuat ruang yang hanya boleh wujud dalam lukisan.
Saya inginkan lukisan itu mempunyai kehidupan mereka sendiri, jadi sentiasa ada rundingan berterusan antara tangan saya dan bahan untuk menangkap puitis ketika saya melapis, menambah dan mengeluarkan cat untuk mendedahkan cat bawah. Saya secara beransur-ansur menerima kepelbagaian perspektif kerana ia membuka kepada saya sejumlah besar kemungkinan dan titik masuk ke dalam gambar yang dilukis. Picasso dan Georges Braque memecahkan satah gambar ke dalam dimensi keempat adalah contoh yang baik untuk saya.
Walaupun konsep ideologi adalah penting, saya tidak mengutamakan mereka daripada nilai seni. Ini kerana lukisan sering beroperasi di luar niat artis, terutamanya pada pertemuan pertama. Makna gambar sering terungkap kemudian. Oleh itu, saya mendekati kerja saya dengan fikiran terbuka, kekal sangat memerhati dan sensitif kepada ke mana proses itu membawa saya, walaupun ketika bekerja melalui idea tertentu.
Bagaimanakah pendedahan merentas benua anda sendiri memberi kesan kepada evolusi gaya artistik dan/atau naratif anda?
Mempelajari cara benar-benar “melihat” adalah salah satu pengalaman paling berharga yang saya peroleh sebagai seorang artis. Ia telah membolehkan saya melihat dunia secara kontekstual, melalui lensa kisah manusia—memahami bahawa perspektif setiap orang ditapis melalui pengalaman unik, sejarah dan konteks budaya mereka. Walaupun dunia saling berkaitan, dengan kepelbagaian yang luas di kalangan orang yang berbeza latar belakang budaya dan bangsa, perspektif “cerita tunggal” tetap berleluasa. Penyederhanaan berlebihan ini mengurangkan individu dan pengalaman yang kompleks kepada naratif stereotaip. Saya telah mengambil minat yang mendalam dalam subjektiviti borang merentasi sempadan; menyedari bahawa tafsiran dan makna bentuk, sebagai bahasa visual, dibentuk oleh pengalaman dan perspektif hidup individu.
Kesedaran ini menjadi jelas kepada saya apabila saya menemui karya beberapa pelukis moden, seperti Sekolah New York dan pelukis ekspresionis abstrak. Melibatkan diri dengan karya mereka menyedarkan saya kepada perasaan baru dan mendedahkan kemungkinan yang saya tidak pernah pertimbangkan sebelum ini dalam kerja saya sendiri.
Saya telah membaca bahawa anda mendapat inspirasi daripada kedua-dua teks ilmiah dan karya sastera; apa yang boleh anda beritahu saya tentang pengaruh tersebut khususnya? Bagaimana, untuk anda, teks diterjemahkan ke dalam visual?
Saya baru-baru ini mengembangkan minat dalam teori dan kesusasteraan pascakolonial, terutamanya beberapa tulisan Homi Bhabha yang telah membantu dalam pemahaman saya tentang migrasi Ruang Ketiga antarabangsa dan antara budaya, pertentangan binari antara geografi, antara Timur dan Barat dan bagaimana itu berlaku. memberi kesan kepada pembentukan kacukan dan identiti budaya yang kompleks dalam ruang global. Sebahagian daripada kerja saya telah diperoleh daripada beberapa leksikon, seperti migran atau asing, yang digunakan untuk menerangkan identiti baharu ini dan penyesuaiannya dalam Ruang Ketiga.
Lukisan itu sebenarnya menentang rujukan konkrit kepada bahagian teori pengaruh saya. Mereka hanya membawa sensasi pemikiran dan imaginasi saya semasa saya mencuba melalui rujukan visual yang mewakili maklumat dan perasaan yang saya cuba sampaikan. Oleh itu, tidak ada yang literal tentang bentuk lukisan yang secara langsung merujuk minat saya dalam teori Pasca Kolonial secara visual, para sarjana telah melakukan keadilan yang besar dalam teori pemikiran itu melalui teks. Ia adalah tafsiran semua elemen yang bekerjasama dalam lukisan untuk membangkitkan perasaan yang sama yang kita alami tentang subjek itu.
Terjemahan langsung teks kepada maklumat visual atau lukisan akan menjadi penceritaan yang tidak perlu dan terlalu menggambarkan apa yang telah diperkatakan. Ini agak terlalu banyak untuk ditanya tentang medium lukisan kerana ia tidak boleh memberi impak yang diingini seperti yang akan dimiliki oleh media lain seperti filem, animasi atau montaj dalam melakukan perkara yang sama. Daripada melakukan itu sebagai pelukis, saya memberi tumpuan kepada tekstur sensasi seperti ketegangan, pergerakan dan peralihan.
Lukisan adalah perlahan, bukan hanya sebagai medium atau dalam proses, tetapi dalam keupayaannya untuk menjadi. Ia mempunyai kecenderungan bukan sahaja untuk segera tetapi juga kesan atau kesan berpanjangan yang perlu dihadam dari semasa ke semasa. Oleh itu, saya merasakan tujuan melukis terletak pada berfungsi sebagai pemangkin untuk merangsang perasaan atau pemikiran tentang sesuatu subjek, dan cara yang berkesan untuk melakukannya bukanlah dengan memberi anda semua maklumat visual atau memberitahu anda apa yang anda sudah tahu. Kadangkala, lukisan yang kuat tidak akan memaksa anda lebih banyak maklumat daripada yang diperlukan—yang akan menjadi “propagandis”, malah ia menawarkan beberapa bahan penting untuk menarik anda masuk, dan selebihnya terpulang kepada anda. Itulah sebabnya tafsiran individu dan makna yang kita semua berikan kepada bentuk boleh menjadi agak subjektif. Ia seperti mengambil ujian Rorschach- personaliti kita terserlah dalam cara kita melihat.
Apa yang anda harap orang akan ambil perhatian daripada keseluruhan “Between Two Suns”?
Pertama, saya berharap mereka dapat menghadam, berhubung dan menikmati komponen formal karya tersebut. Melalui perbualan di sekelilingnya, saya berharap dapat menjemput mereka untuk merenungkan tanggapan anjakan dan hibriditi dan menawarkan meditasi visual mengenai keseimbangan tidak menentu antara kelangsungan hidup dan pembubaran. Dan dengan menolak keselesaan strukturalis makna muktamad, saya berharap untuk meninggalkan ruang kepada penonton untuk menghadapi andaian mereka sendiri tentang identiti, penghijrahan dan ruang yang dikongsi.
